ARTE RENACENTISTA ITALIANO
El
Renacimiento abarca los siglos XV en Italia y XVI en toda Europa,
aunque en algunas zonas se prolongue a principios del s. XVII. Se
corresponde con el paso de la Cultura Medieval a la Cultura Moderna,
realizándose este cambio de forma lenta y sin rupturas sobre las bases
de la cultura bajomedieval.
A
pesar de no existir ruptura, si se produce la desaparición de
Instituciones antiguas y el nacimiento de otras nuevas, hay un paulatino
cambio de conceptos.
El término Renacimiento se debe a Giorgio Vasari
quién será el que recopile las biografías y aportaciones de los grandes
artistas del Renacimiento Italiano. Más contemporáneo es Jakob
Burckhardt, que publicó la obra “La Cultura del Renacimiento en Italia”
(1867), y que ha servido de base a la mayoría de los estudios actuales
sobre el Renacimiento.
El
origen geográfico de la Cultura Renacentista es Italia, y dentro de
Italia Florencia, donde a finales del siglo XIV ya se ponían los
primeros cimientos de lo que sería este movimiento cultural. De
Florencia se extiende al resto de Italia durante la segunda mitad del
siglo XV, y al resto de Europa en el siglo XVI. El origen italiano tiene
una explicación en el avance económico y social que experimentaba ésta
península en el siglo XV con respecto al resto de Europa. El empuje de
la burguesía mercantilista tiene un reflejo en las artes plásticas, ya
que los artistas se verán favorecidos por un sistema económico que
permite su supervivencia: el mecenazgo. Es en Italia donde surgen las
primeras organizaciones bancarias y se termina con el sistema feudal de
gestión económica. El poder económico estará en manos de un grupo de
familias que serán las que se conviertan en mecenas de los artistas
costeando la realización de las obras.
Desde
un punto de vista artístico Italia nunca rompió totalmente con la
tradición clásica y en varios aspectos la vuelta a los cánones clásicos
rompe con el mundo medieval:
- Será un arte no sujeto al espíritu religioso como lo estaba en época medieval, lo cual no quiere decir que sea producto del ateísmo ya que no se trata de un arte irreligioso.
- El sentido religioso es sustituido por lo humano de tal forma que el hombre será la medida de todas las cosas, por ello lo civil cobrará importancia.
- Es un arte en el que la personalidad del artista cobra importancia, los gustos del artista se pondrán en primer lugar, de esta manera tendrá cabida lo religioso y lo profano.
- El artista se convierte en centro de atención, a partir de ahora se convertirá en una personalidad reconocida y valorada, de forma que ahora el propio artista trata de marcar diferencias con otros y marcar su propio estilo. En ocasiones el culto al artista llega a extremos de enfrentamientos entre ciudades por hacerse con sus servicios e incluso por ser el lugar donde reposen sus restos.
- Los artistas firmarán sus obras y establecen talleres en los que forman aprendices que les ayudan a realizar las obras más grandes siguiendo su estilo. Los grandes arquitectos, escultores y pintores formarán a sus sucesores que a su vez se convertirán en grandes artistas, en algunos casos superando a sus maestros. Esto hace que todos los artistas afamados que coinciden cronológicamente se conozcan y al mismo tiempo reciban influencias unos de otros.
- El artista es completo, ya que la mayoría de ellos es capaz de desarrollar todas las especialidades del arte, son arquitectos, pero también escultores y pintores.
- La admiración por la cultura clásica hace que la principal finalidad de las obras sea la búsqueda de la belleza.
CARACTERÍSTICAS GENERALES DEL ARTE RENACENTISTA
- Vuelta a la antigüedad no solo en lo estético, sino también en lo social, hay apropiación de los valores clásicos, de sus formas y de sus símbolos. Es la vuelta al arte por el arte.
- Se aplica la razón a la realización de las obras.
- Las matemáticas lo rigen todo, la medida y la proporción llevarán al interés por el estudio de la perspectiva lineal que a su vez derivará en la búsqueda de la tercera dimensión en la pintura.
- Amor a la naturaleza, culto al espíritu y recreación del alma: se busca la belleza. Es un arte realizado para la contemplación.
- Concepción del mundo de forma realista, la ciencia busca el por qué de las cosas.
- Pasa de ser una obra al servicio de la teología a tener un fondo personalista e ideológico. No trata de llevar al hombre a la salvación, sino que la recrea.
- El artista tiene libertad interpretativa, aunque esté ligado económicamente a un mecenas.
Las
características son múltiples y dependen del ejemplo. Pero por lo
general es común la preocupación por la armonía en el espacio tanto
interior como exterior. Resultará como resultado de una serie de ensayos
de los artistas que se convertirán en fundamento y crearán un deseo por
el orden en el urbanismo.
Las
plantas son centralizadas, de cruz griega y basilicales. La planta
centralizada se impone por su búsqueda de la unidad constructiva, de tal
manera que incluso en las iglesias de planta de cruz griega o latina se
remarcará esta centralización mediante la colocación de una cúpula en
el crucero.
La
arquitectura civil experimenta un gran impulso, y también en ella la
centralidad quedará subrayada por la construcción de los edificios
alrededor de un patio.
Para la construcción de los muros se utilizan diferentes materiales:
- Mampostería, material pobre que se reviste con materiales más ricos. El revestimiento se realiza con enfoscado y enlucido, con moldes de mármol en el exterior y pinturas en el interior.
- Sillar: piedra bien cortada que busca regularidad y proporción en los muros.
- Sillar almohadillado que permite jugar con la luz en la superficie de los edificios.
Predominará el muro sobre el vano. Los vanos van aumentando a medida que sube la altura del edificio.
Como
soportes utilizan el pilar, la pilastra y la columna. Irá
desapareciendo el pilar compuesto y se irá imponiendo principalmente la
columna que sigue los órdenes clásicos buscando la proporción perfecta.
En caso de varios pisos se superpondrán los órdenes, pero no los
mezclarán. En ocasiones exageran lo vegetal en los capiteles.
Arcos de medio punto que separan espacios, naves y enmarcan ventanas.
Los pórticos se hacen adintelados y abovedados. La fachada se diseña con el entablamento clásico: arquitrabe, friso y cornisa.
Las
cubiertas de madera o piedra corrida con casetones, bóveda de cañón,
vaídas y de aristas, y cúpulas sobre pechinas y decorada también con
casetones.
Los
elementos decorativos son múltiples: decoración de relieves grutescos
(formas decorativas tomadas de los antiguos palacios romanos)
y candelieri (decoración en los marcos, fustes de columnas y pilastras).
Se
utilizan también elementos arquitectónicos con fines decorativos:
columnas y pilastras con sus capiteles, así como la pintura.
El Quattrocento se desarrolla en tres focos principales:
Filippo di Ser Brunellesco Lapi (Florencia, 1377-Florencia, 1446) arquitecto, y escultor florentino introductor del Renacimiento junto con Donatello Alberti y Masaccio. Aunque no fue pintor, en su tratado sobre pintura Albertidescribe
a Brunelleschi como el creador de la teoría de estudio de la
perspectiva lineal mediante la colocación en el fondo de un punto de
fuga.
Es
el gran innovador de la arquitectura que inicia las formas
constructivas renacentistas mientras que el resto de Europa sigue
desarrollando el estilo gótico. Brunelleschi fue el primer arquitecto a
emplear la perspectiva matemática para redefinir el espacio gótico y
románico y establecer nuevas reglas de proporción y simetría.
Se
forma con gran preocupación por el estudio del clasicismo griego y
romano, pero re-introduce las formas clásicas sin romper con el mundo
medieval, sino que lo hace evolucionar paulatinamente.
Se inicia como escultor
escultor
pero al ganar ex-aequo el concurso organizado para la realización de la
Puerta del Paraíso del Baptisterio de Florencia en 1401 junto con GHiberti
al que la organización encargó la realización dejando a Brunelleschi
como ayudante, quedó marcado y con el tiempo decidió romper con la
escultura y centrarse en la arquitectura.
El modelo en madera que se conserva en Florencia se atribuye a Brunelleschi en persona.
La
cúpula tiene 113 metros de altura incluyendo la linterna y 44 metros de
ancho. Se trata de una doble cúpula de base octogonal tanto la interior
como la exterior, que reposan sobre pechinas que dan paso a un tambor
octogonal abierto por ocho óculos.
Ambas
cúpulas se unen en la base en forma de tijera, sujetándose mútuamente.
La cúpula exterior es ligeramente apuntada, mientras que la interior a
la que sostiene es de media circunferencia. Entre las dos cúpulas hay un
espacio en el que construye una escalera que permite el acceso a la
linterna.
Interior de la cabecera con el ábside central y el altar.
Inspirará a Miguel Ángel la realización de la Cúpula de la Basílica de San Pedro en Roma. Vista del interior de la cúpula.
“Basílica de San Lorenzo” (Florencia,
1418-1428), encargada por varias familias florentinas al final quedó en
manos de la familia Medici que fueron los únicos que pudieron afrontar
su coste.
De
planta basilical con apariencia de cruz latina, tiene tres naves, la
central más alta que las laterales, a las que se abren numerosas
capillas.
Más tarde le servirá de inspiración para realizar la “Iglesia del Santo Spirito” también en Florencia.
En
la diferencia de altura de la nave central se abren ventanales que
llenan de luminosidad el centro de la basílica, mientras que a las naves
laterales se abren ventanas circulares y las capillas de los extremos
quedan a oscuras, con lo que la luz va en disminución del centro a los
laterales.
Una gran cúpula sobre pechinas cubre la zona del transepto.
La nave central mide justo el doble que su anchura.
La
cubierta es plana de madera decorada con casetones que imitan el estilo
clásico romano, pero la zona del altar se cubre por una cúpula lo que
convierte a esta zona en el centro de la construcción. Las naves
laterales se cubren por bóvedas de vaídas.
Los
brazos de la cruz son dos sacristías, Brunelleschi realizó la Sacristía
Vieja, a la izquierda del altar, mientras que la otra es obra de Miguel
Ángel.
El conjunto de la construcción incluye también la Biblioteca Laurenciana
y la Capilla Medicea, que serán completadas años después por Miguel Ángel Buonarroti.
Como todos los edificios de Brunelleschi tiene claustro, en este caso dos.
Segundo claustro.
“Hospital de los Inocentes” (Florencia, 1421-1455). Destaca el pórtico exterior sobre columnas que sostienen arcos de medio punto.
La
fachada tiene dos cuerpos, el primero con arquerías enmarcadas por unas
molduras que sobresalen y que reposan sobre columnas esbeltas de
capiteles compuestos, que no se ajustan completamente al modelo clásico,
y
que abren un pórtico cubierto por bóvedas de arista, sobre el cuerpo de
arcos coloca un entablamento clásico que también se encuentra en el
interior del pórtico.
El
segundo es un cuerpo con ventanales adintelados cubiertos por un
frontón triangular, cada vano coincide con uno de los arcos del cuerpo
inferior. La cornisa sobresale mucho, al estilo del de los palacios
renacentistas.
Las enjutas muestran clípeos con figuras de niños realizados por Andrea della Robbia.
Patio de los hombres.
Patio de las mujeres
“Basilica del Santo Spirito”
(Florencia, 1436). Es el modelo de iglesia diseñado por Brunelleschi
que más influirá en la arquitectura florentina. Ser inspira en la
Basílica de San Lorenzo. Está realizada con precisión matemática, al
igual que la de San Lorenzo, ya que la altura de la nave central es el
doble que la anchura de dicha nave.
La planta basilical tiene un ancho transepto de tres naves, y en el crucero coloca una gran cúpula sobre pechinas.
La fachada aparece inacabada.
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