jueves, 30 de junio de 2011

VINCENT VAN GOGH




Vincent Van Gogh (1853-1890) fue un destacado pintor holandés en el género del postimpresionismo.

Llegó a pintar 900 cuadros (27 de ellos autorretratos), 1.600 dibujos y escribió 800 cartas, 650 de ellas a su hermano Theo, el único que le comprendía.

Vincent nació en Zundert, Holanda y empezó a aficionarse a la pintura desde la escuela, en donde no era buen estudiante, pero durante toda su vida si se enorgullecía de ser un gran autodidacta.

Pese a su dedicación a los dibujos, muchos maestros de este arte le dijeron que nunca iba a ser un pintor profesional porque no sabía pintar.

Trabajó en galerías de arte en Londres, propiedad de algunos parientes suyos. De vuelta en Holanda, quiso ser sacerdote, y estudió teología. Fue enviado como misionero a las minas de Borinage en Bélgica en donde ayudó a la gente, y les dio todo lo que tenía. Fue aquí en donde comenzó a pintar y a vivir de cerca la tragedia humana.



Poco después marcha de nuevo a Londres en donde estuvo al frente de un hospicio para niños, pero resulta decepcionado de la religión y sobre todo de quienes se encuentran al frente de ella, ya que los considera hipócritas, así que decide alejarse de Londres y marcha a la Haya, en donde conoce a Sien.

Sien era una prostituta que rondaba las calles londinenses y Vincent al verla tan desamparada y necesitada, le pide que viva con él, y de ella contrae el sífilis y la gonorrea, lo que provoca que Vince termine hospitalizado. Sus padres se enojan mucho con él por mantener relaciones con una mujer de la calle.

Fue siempre un hombre solitario, de aspecto desaliñado y con la mirada hundida y perdida. Decía que solamente se sentía un ser humano lúcido cuando pintaba, ya que podía llegar a llorar cuando lo hacía.



En 1880 comenzó a pintar de forma más continua, y en 1886 se muda a París con su hermano Theo, en donde conoce a todos los artistas de la época, es decir, los llamados Impresionistas. En 1888 se traslada a Arles, en donde fundaría un taller con Paul Gauguin, pintor post impresionista y expresionista.



El débil estado de salud mental de Van Gogh provoca que una noche trate de atacar a Gauguin, y poco después se corte una oreja, la cual regala a una prostituta. Van Gogh sufría de crisis epilépticas, tenía ataques paranoides y esquizofrénicos, y estuvo recluido en hospitales para enfermos mentales de manera voluntaria.

Su aspecto desaliñado y depresivo alejaba de él cualquier prospecto amoroso. En el sanatorio de Saint-Rémy-de-Provence le es habilitada una habitación para que siga pintando. Aquí empezó una frenética vida artística en donde se inspiró en Rembrandt.

Durante los últimos treinta meses de vida llegó a realizar 500 obras y en sus últimos 69 días firmó hasta 79 cuadros.

Finalmente, el 27 de julio de 1890 sale a caminar por el campo, se dispara con un arma de fuego en el pecho y regresa a su habitación para morir dos días después, dejando inacabado el cuadro llamado "Los Cuervos".

En su entierro todos los que le conocían trajeron flores amarillas para su tumba.

Aquí esta un video con las principales obras de Van Gogh, el cual está musicalizado por una canción que Don McLean escribió exclusivamente para este maravilloso

miércoles, 29 de junio de 2011

LA PRUDENCIA


Cuando vamos a decidir sobre materias que realmente nos importan y preocupan, nuestro temperamento apasionado es uno de nuestros detractores más temidos. La ilusión por las cosas que nos gustan y la impaciencia por obtenerlas nos arrastran fuera de los márgenes de lo conveniente.
Es difícil, pero muy aconsejable, dejar que maduren las decisiones dentro de nosotros antes de optar por algunas de las oportunidades que se nos presentan. A veces la vida parece que juega con nosotros y nos aproxima ofertas tan diferentes unas de otras, y tan apetecibles todas ellas, que el pensamiento se balancea con frenesí y  todo nos parece igual de válido, aunque sabemos que no es posible conseguirlo todo..
En estos casos, la prudencia es la amiga que nos conduce por el camino de la reflexión profunda, en la que se tienen en cuenta los objetivos previos y lo provechoso de cada una de las probabilidades. Es la prudencia la que reconduce la situación para que aflore lo mejor de cada  oportunidad teniendo en cuenta a cada una de las partes que van a ser afectadas o beneficiadas por la decisión.
Ahora bien, cuando la prudencia no es reflexiva, sino obsesiva o llena de indecisión, el resultado será negativo para todos los implicados en el proceso decisorio.
Este equilibrio entre ser prudentes o indecisos se resuelve si se tienen en cuenta dos premisas: qué queremos realmente y qué estamos dispuestos a perder para tenerlo. La indecisión aparece cuando nos negamos a desprendernos de alguna de las golosas sugerencias que habían aparecido previamente a la toma de decisiones.
La prudencia exige paciencia en el análisis y saber desprenderse de deseos que no aportan nada positivo en el corto o medio plazo.
Hoy es un buen día para reflexionar e introducir la prudencia en nuestras conversaciones y en nuestra vida profesional y personal. La prudencia nos ayuda a ser más delicados en la toma de decisiones, amén de allanarnos el camino de la paciencia.

EDUARDO MANET


EDUARDO MANET: LA VIDA EN DOS IDIOMAS POR: BELKIS CUZA MALÉ TOMADO DE EL NUEVO HERALD.

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Eduardo Manet: la vida en dos idiomas
BY BELKIS CUZA MALE
ESPECIAL/EL NUEVO HERALD

``La vida, lo sabes bien, es muy extraña, sobre todo cuando se viven tantos años como los que he vivido yo. Y siempre, desde niño, tan intensamente''. Mientras leo su correo electrónico creo recordar su voz. Pero Eduardo Manet, el novelista, teatrista, cineasta y profesor, autor de Las monjas, entre otras muchas obras que lo han hecho famoso, debe ahora hablar con cierto acento francés, me digo. En realidad hace siglos que no nos vemos, cómo voy a saberlo.

Llevo casi tres meses con sus respuestas dándome vueltas. Tal parecería que se cumple lo que el propio escritor me dijo desde el principio, cuando nuestros correos electrónicos se desencontraban por azares de la internet, que ``las cosas son cuando tienen que ser''. Y así fue.

En febrero, Eduardo Manet era esperado en Miami para participar en Protagonistas de los 60, un encuentro sobre el teatro cubano que organizaba la Universidad de Miami, pero en su lugar, un compromiso ineludible con el gobierno francés le hizo viajar a Marruecos por esos mismos días.

Cuando todavía no era quien es hoy día, Manet se fue a estudiar literatura y cine a Francia e Italia, entre 1952 y 1960, hasta que los amigos de antes, ya en el poder, lo instaron a regresar a Cuba: ``Yo estaba rodeado en mi época universitaria por Tomás Gutiérrez Alea, Néstor Almendros, Ramón Suarez, Alfredo Guevara y Raúl Castro. Luego en ``Nuestro Tiempo'' con Franqui, Cabrera Infante... Y desde muy joven con Mario Parajón.

No nos conocimos mucho en Cuba (él y yo) --me escribe en un primer correo electrónico--, ni luego en el exilio''. Y así es. No nos hemos vuelto a ver en todo este tiempo.

Han pasado más de cuatro décadas desde que Eduardo González-Manet (su verdadero nombre) y yo nos encontrábamos esporádicamente en La Habana de la época, a veces con su primera mujer, una francesa delgada y calladita. ``No sé si sabes de la cena fabulosa que tuve en Madrid con Heberto'', dice , refiriéndose al poeta Heberto Padilla, y a un encuentro que tuvieron dos años antes de su muerte. ``En esa cena Heberto y yo establecimos esa noche una hermandad, bebiendo y comiendo mucho, lo cual es bueno de temps en temps'', comenta entre melancólico y quizás feliz de recordar. ``Me dijo cosas extraordinarias que no he repetido jamás. Fue como una confesión. Y siempre lo tengo en mi corazón''. Y ésa fue su carta de presentación, seguida de aquel ``Para que sepas un poco más de mí...''. Y continúa: ``Tuve de niño la influencia de mi madre de origen sefardí pero muy creyente. Y de mi nodriza y segunda madre, que era ``mambo haitiana'', santera del verdadero vudú.

En septiembre de 1968, Manet se marchó a París y comenzaron a ``borrarlo'', como siempre hacen en Cuba con los que abandonan la isla. Se hizo el silencio sobre su persona y ya no importó que hubiera dirigido varios documentales y cuatro películas en el ICAIC, e incluso, una que no llegó a estrenarse porque tanto él como la cantante Luisa María Güell, una de las actrices, se habían marchado de Cuba. Pero el karma, el buen karma, fue más poderoso que los censores, y a Manet se le abrieron los puertas del país de su esposa; se hizo ciudadano francés y comenzó no sólo a escribir en ese idioma, sino a publicar en las mejores editoriales del país y a ganar premios. Sí, se convirtió --era su destino--, en un escritor y figura intelectual de primer orden en ese París que es el sueño de todo artista.

Como anda la mayor parte del tiempo metido de cabeza en el francés, nuestra ``conversación'' está salpicada de interjecciones y vocablos en ese idioma, que le ayudan a veces a completar la idea. Lo entiendo y me sonrío cuando me cuenta que lo han invitado a ir a España, dos parlamentarios jóvenes que conoció hace poco, para que escriba de nuevo en español. Incansable trabajador, con una voluntad de hierro, como le gusta decir, no descansa ni aún cuando mira la televisión, porque aprovecha ese tiempo para levantar pesas. Joven e inquieto a sus 80 años (nació en Santiago de Cuba en 1930), el escritor no olvida hacer diariamente sus ejercicios de yoga y artes marciales, a los que se suman sus múltlipes actividades. Nadie mejor que él para relatarnos cómo es un día en la vida de Eduardo Manet: ``¿Un día en mi vida?: Eso me recuerda la película que hice en Cuba para el ICAIC, Un día en el solar. El problema conmigo es que, desde chico, siempre he hecho varias cosas a la vez. Es así que los días de mi vida desde el inicio del 2010 ( para tomar un tiempo determinado) se dividen entre lo profesional, lo personal, y lo militante''.

``En lo profesional, desde el inicio del año terminé una novela que saldrá en septiembre con el título deLes 3 Frères Castro (Los tres hermanos Castro). Un libro que en resumen cuenta cómo la gente que estuvo con los Castro al principio de la revolución se desengañaron frente a todas las mentiras de Castro y del final lamentable. Terminé también un libro de cinco cuentos que saldrá con el título deQuatre villes profanes et un paradise (Cuatro ciudades profanas y un paraíso). Las cuatro ciudades profanas son Londres, Agadir, Henday-Biarritz, y Boston. Y el paraíso, un pueblo indio en el centro de México. Al mismo tiempo terminé un guión de cine en inglés en colaboración con un periodista del Wall Street Journal. Y también acabé dos obras de teatro. Eso quiere decir que hay largas horas de trabajo y una disciplina de hierro''.

Ser un ``francés'' nacido en Cuba, con obsesiones cubanas y sueños alimentados por una infancia santiaguera, lo definen muy bien. En este caso, Senta, su nana haitiana que lo llevaba con frecuencia a presenciar los toques de santo vudú que ella dirigía, anticipaba ya el mundo del adulto Manet. Sería cubano y francés, sin dejar de ser nunca lo que es: un escritor, un artista de fama, que tiene su casa en París, pero su corazón en La Habana.

Pero en los años juveniles, las cosas no parecían tan claras para él, de modo que dice sin reparos: ``Luego caí bajo la influencia marxista. Durante años me decía (y me creía) ateo o agnóstico... Desde hace un tiempo --en realidad desde la muerte de mi primera esposa (la madre de mi hijo) y la enfermedad muy grave y terrible de mi cuarta esposa--, el regreso a una vida espiritual se hace casi urgente en mí. Hace años, durante un tiempo, estuve en un ashram en el Canadá, muy enamorado de mi profesora (una princesa) del Irán. Fue ella quien me inició en el yoga y la meditación trascendental''.

Saltamos entonces al pasado, a los primeros años en la capital: ``Llegué a La Habana a los 13 años, recordando siempre Santiago, pero adaptándome poco a poco. Los puntos positivos: el malecón, el jardín del hotel Nacional y los cines con sus tandas completas. Yo era capaz de entrar al cine a la una de la tarde y salir a las siete de la noche. Veía de todo, filmes de gansters, cowboys, musicales, Marx Brothers, melodramas, muy ecléctico''.

Sobre su vida como escritor y cineasta en Cuba, dice: ``Hice 6 cortos para el ICAIC y 4 largometrajes: El Negro, y Portocarrero ganaron premios en Londres y Brasil. De los cuatro filmes tengo sólo copia de la adaptación al cine de la comedia musical Un día en el solar, pero creo que mi mejor película fue El huésped, con Raquel Revuelta, Enrique Almirante y la deliciosa Luisa María Güell. No fue jamás exhibida ya que Luisa y yo nos fuimos del país. Alguien, un amigo italiano, está tratando de conseguir una copia video, si no han quemado el negativo''.

De su obra impresa de aquellos años cuenta: ``En Cuba salió publicada por Ediciones Prometeo (¡San Francisco Morín!) Scherzo, La princesa que tenía los ojos verdes, y otra obra de cuyo título no me acuerdo. También se puso en Cuba La Santa, después de mi regreso en 1960, una obra que tuvo gran éxito y no ha sido

publicada''.

A mi pregunta acerca de qué piensan en la actualidad los franceses sobre Cuba y su gobierno tiránico, Manet comenta: ``En general, la prensa y los intelectuales están muy claros sobre la dictadura cubana, lo cual no impide que algunas personalidades como Madame Miterrand, o el actor Depardieu, estén aún `enamorados' de Castro y de su pseudo revolución. Lo mismo ocurre con una parte de los franceses que viajan a Cuba y regresan con los clichés de siempre. El pueblo es una maravilla, los cubanos son simpáticos, adoran la música, el baile... hay mucho de turismo sexual en todo eso. Cuando un hombre o una mujer me sacan los clichés, pregunto si se enamoró de un cubano o una cubana... y siempre hay algo de eso''.

El año pasado, Manet publicó su novela (escrita en francés) Un cubano en París, con gran éxito de crítica. Lo mismo que ha venido sucediendo desde que en 1968 Las monjas se representó en París y se ha seguido poniendo en muchos teatros del mundo. Autor prolífico, ha incursionado incluso en la ópera, con dos libretos: Cecilia, y Mi amor, ambos con música de Charles Chaynes, presentadas hace algún tiempo en Monte Carlo.

Su extenso curriculum vitae señala que ha escrito 14 novelas en francés, publicadas con sumo éxito, y una veintena de obras de teatro. Caballero de las Artes y las Letras en 1998, y Caballero de la Orden del mérito en el 2001, en la actualidad Manet es el presidente del Consejo Permanente de Escritores Franceses. Sin embargo, a la hora de describirse a sí mismo, vemos al ser espiritual que hay en él: ``Soy un hombre modesto por naturaleza pero sé también lo que puedo hacer bien, como pedía Sócrates a sus alumnos. Un hombre debe saber lo que hace bien y lo que no hace bien. Yo puedo enseñar escritura de técnica corporal... en fin, lo único que no sé hacer es viajar de vacaciones''. •

LA CHIQUITA PICONERA

"El mayor placer de un hombre o una mujer inteligente es aparentar ser idiota delante de un idiota que aparenta ser inteligente."

La Chiquita Piconera...Retrato de una Obsesión???

La Chiquita Piconera. 70 años después de ser inmortalizada por Julio Romero de Torres.

La mujer que con el correr del tiempo se convertiría en la morena de la copla y en el rostro de los billetes de 100 pesetas aseguró en varias entrevistas antes de morir que posar para Romero de Torres constituyó el origen de las varias desgracias de su vida, pues jamás logró desprenderse del sambenito de mujer fácil en una sociedad hipócrita y santurrona que no la perdonó.

Se casó con un hombre que la quiso prostituir y del que terminó huyendo y acabó ganándose la vida de costurera.
Murió en 2003, después de que en 2000 Córdoba la homenajeara como la chica del cuadro, la muchacha que nunca dejó de ser a pesar de que murió con 89 años:

La chiquita piconera y La Fuensanta.

Fue la modelo más famosa de Julio Romero de Torres y su imagen estuvo impresa en casi mil millones de los antiguos billetes marrones de 100 pesetas.

Sin embargo, María Teresa López, “La Chiquita piconera” del cuadro más universal del artista cordobés, vivía en un asilo, sin dinero y amargada por los recuerdos de una vida ingrata marcada por quienes la acusaron de ser amante del pintor.


La obra, que ilustró el billete de cien pesetas del Banco de España hasta 1978, ha sido adquirida por teléfono por un comprador privado anónimo, según fuentes de Sotheby's, y ha desembolsado la escandalosa cantidad de 1.173.375 Euros.
El cuadro, pintado en 1929, representa a una joven morena de ojos negros, sentada de semiperfil, con los brazos descansando sobre un enorme caldero de cobre y que mira fijamente y de frente al espectador.



La copla
Julio Romero de Torres pintó a la mujer morena
Con los ojos de misterio y el alma llena de pena
Puso en sus manos de bronce la guitarra cantaora
Y en su bordón hay suspiros y en su capa una dolora.
Morena
La de los rojos claveles
La de la reja florida
La reina de las mujeres
Morena
La del bordado mantón
La de la alegre guitarra
La del clavel español.
Como escapada de un cuadro y en el sentir de una copla
Toda España la venera y toda España la adora
Prenda con su taconeo la seguirilla de España
Y en sus cantares morunos en la venta de Eritaña.

martes, 28 de junio de 2011

LA ZORRA Y EL MONO

En una junta de animales, bailó tan bonito el mono, que ganándose la simpatía de los espectadores, fue elegido rey.
Celosa la zorra por no haber sido ella la elegida, vio un trozo de comida en un cepo y llevó allí al mono, diciéndole que había encontrado un tesoro digno de reyes, pero que en lugar de tomarlo para llevárselo a él, lo había guardado para que fuera él personalmente quien lo cogiera, ya que era una prerrogativa real.
El mono se acercó sin más reflexión, y quedó prensado en el cepo.
Entonces la zorra, a quien el mono acusaba de tenderle aquella trampa, repuso:
-"¡Eres muy tonto, mono, y todavía pretendes reinar entre todos los animales!".
No te lances a una empresa, si antes no has reflexionado sobre sus posibles éxitos o peligros.
La fábula de hoy nos recuerda que todos necesitamos enfrentar la realidad de nuestras limitaciones... y todos las tenemos, aunque pareciera que algunos tuvieran muy pocas.  Lo cierto es que Dios nos ha concedido dones particulares que necesitamos utilizar al máximo para poder cumplir con Sus propósitos en nuestra vida y de esa manera vivir vidas plenas de satisfacción.
Sin embargo, la tragedia de muchos es no saber discernir la razón por la cual Dios nos dio esos dones y embarcarnos en otro tipo de travesía y aventura que mal utiliza tales dones.
La buena noticia es que, cuando nos falta sabiduría, la Biblia nos anima a buscarla en Dios, quien nunca nos cierra la puerta ni ignora nuestra petición.
Adelante y que el Señor les bendiga.

lunes, 27 de junio de 2011

COSAS DEL FUTBOL

Messi, Doble Balón de Oro. Sueldo del mismo metal
Messi, Doble Balón de Oro. Sueldo del mismo metal
La cantidad de dinero que se maneja en el fútbol no deja de asombrar. Las revistas Forbes y France Football, publicaron un informe con los futbolistas mejor pagados. Primero quedó el mejor del mundo, Lionel Messi, quien ganó 43 millones de dólares.
Lo que equivale a casi 118 mil dólares por día. Poco menos de 5 mil por hora.
La mayor parte de esta cifra la obtuvo por contratos publicitarios. El resto de primas y del salario que Barcelona le paga: 13 millones de dólares por temporada, según Futebolfinance.com. Pero lo que gana Messi no es un caso aislado. De muy cerca lo sigue David Beckham, actualmente en Los Ángeles Galaxy, con un ingreso de 41 millones, de los que 6.5 millones son el salario de su club y el resto es por publicidad.
Luego está Cristiano Ronaldo, que cobra 39 millones. Sin embargo, el portugués es el futbolista con el mejor salario de un club, con 17 millones.
Para pagar esas cantidades se necesitan instituciones poderosas. Y las hay. El Manchester United, según la última publicación de Forbes al respecto, es el equipo más caro con un valor de más de 1.800 millones. Le sigue el Real Madrid, un club que apuesta fuerte al marketing contratando grandes estrellas por las que tiene que pagar altas sumas, con un valor superior a los 1.300 millones. Tercero está el Arsenal, cuyo valor asciende los 1.100 millones; cuarto, el Barcelona, que se acerca a los 995 millones de dólares.
En el ranking hay 25 equipos; todos son europeos.
Y aunque en 2010 no hubo traspasos por cifras tan grandes como en temporadas anteriores, los precios no dejan de ser exorbitantes. El fichaje más caro lo hizo el Barcelona, al contratar a David Villa del Valencia por casi 53 millones de dólares. El Manchester City hizo la segunda y la tercera adquisición más costosa, la de Yaya Touré, del Barcelona, por 40 millones, y la de David Silva, del Valencia, por el mismo precio. La cuarta fue la de Ángel Di María, del Benfica al Real Madrid, por 33 millones, y quinta, la de Zlatan Ibrahimovic del Barcelona al Milan, por casi 32 millones.
Es cierto, el año pasado los precios que se manejaron fueron mucho mayores. Por citar un caso, el Real Madrid gastó 133 millones en Cristiano Ronaldo, 93 millones por Kaká, 50 millones por Benzemá, 43 millones por Xavi Alonso, 21 millones por Albiol y 5 por Arbeloa. En total gastó 345 millones de dólares.
No ganó ningún título.
Para lograr ingresos que permitan estas colosales inversiones son necesarios esponsors dispuestos a apostar fuertes sumas en publicidad en los equipos. Los hay, y con el peso de sus millones de dólares fueron capaces, por ejemplo, de terminar con la tradición de 111 años del Barcelona de no vender publicidad en su camiseta. ¿Cómo lo lograron? La Fundación Qatar, con miras a la organización del Mundial de 2022, realizó una oferta que podrá alcanzar los 170 millones de euros en 5 años. Según informó Futebol Finance, el club catalán recibirá 30 millones por año desde 2011 hasta 2016, una entrega de 15 millones en 2010/2011, más otros cinco en premios por rendimiento deportivo.
Al equipo azulgrana le sigue su rival, el Real Madrid, con un contrato anual de 33 millones con la firma Bwin y el Bayern Munich, con el mismo precio, con T-Home. Luego están los dos grandes de Inglaterra, Manchester United y Liverpool, con acuerdos por 26 millones de dólares con AON Corporation y Standard Chartered, respectivamente.
Sin embargo, los equipos que manejan estas disparatadas cifras son pocos, lo que ha aumentado sus diferencias con los equipos menos poderosos. Según Futebol Finance este factor ha generado una pérdida en la competitividad de las ligas.
David Beckham: Es el segundo que más dinero gana: 41 millones según la revista Forbes.Salario: Cobra por temporada en 6.5 millones. El resto de sus ingresos son por publicidad.
Cristiano Ronaldo: Es el tercer futbolista que gana más dinero: 39 millones.
Kaká: El brasileño es el cuarto con mayores ingresos. En total gana más de 24 millones.Otro Real: Para hacerse con su fútbol, el Real Madrid acordó pagarle 13 millones por año.
Eto`o: El camerunés es el africano que gana más, con un ingreso de 18 millones por año.Le salió: Con su pase al Inter de Milán, consiguió un contrato de 13 millones por temporada.
169  millones de dólares es el ingreso que suman los cinco primeros futbolistas que forman parte de este ranking.

POEMA HERMOSO


Poema: Antes que la muerte bese mi osadía

Antes que la muerte bese mi osadía
después que la vida acabe con mis ilusiones
quiero decirte,
quiero amarte,
quiero adorarte.

Antes que alguien dude de mi inteligencia,
después que el gallo haya cantado tres veces
quiero sonreír
quiero alegrarte
quiero hacerte feliz.

Antes que la tierra fuese redonda
que la luna fuese el símbolo de los enamorados,
que unos de mis mejores besos,
te los diera en tu frente,
te los diera en tus labios,
acariciando tu lengua.

Antes que el horizonte se arrugue,
después que mi piel no admita más agua,
después que la mar deje de estar salada,
quiero acariciar tu vida,
tocar tu cuerpo,
amar tu espalda.

Antes que el cielo se convierta en hielo
después que los Ángeles
me vengan a buscar,
quiero abrazarte,
quiero quererte,
quiero mimarte.
quiero despedirme,
con un adiós por bandera…

Autor: Fco Peiró Gimenez
© Todos los derechos registrados

domingo, 26 de junio de 2011

LA LELLENDA

Llegar al mundo occidental sería su objetivo, el único inconveniente era cómo escapar de la vigilancia de la KGB.
Misha, como es conocido cariñosamente Mikhail Barishnikov en el mundo artístico, es un hombre irreverente, muy conciente de su gran talento para la danza y que a sus 58 años sigue conservando su gran sex-appeal. Este último don le ha sido de gran utilidad, no sólo en su vida personal, sino artística, pues ha logrado hacer llegar al público esa sensualidad y magnetismo cada vez que aparece en escena. De allí, que muchas de sus fans no son sólo amantes de la danza, sino personas comunes y corrientes que han quedado atrapadas con su particular forma de moverse y su gran calidad interpretativa.
Sus inicios en la danza fueron totalmente espontáneos. Mikhail cuenta que un desfile con motivo del Día de la Revolución Socialista, al que él y su familia asistían para a ver a su padre marchar, se reunían los civiles y bailaban danzas típicas rusas o ucranianas; repentinamente, como por instinto se unió al grupo sin estar invitado y terminó llevándose las ovaciones del baile. Una vez descubierta su vena, sus padres buscaron de canalizar su talento de forma académica.
Es así que comienza sus estudios de ballet en Riga a los nueve años de edad, de allí pasa a la escuela de ballet del Kirov de Leningrado, hoy San Petesburgo, en donde se graduó y para la cual se convirtió, rápidamente, en bailarín principal en el año 1969. Con el Kirov, se dio a conocer al mundo; su brillante técnica, calidad interpretativa y asombrosos saltos fueron reconocidos por todos los críticos, que no tardaron en considerarlo una estrella del ballet clásico. Sin embargo y de forma paralela, Misha sentía que su experiencia dentro de la estructura formal de la danza soviética estaba cercando sus límites. El joven bailarín ambicionaba conocer, aprender nuevos estilos, nuevas coreógrafos, nuevas formas de bailar que estaban muy lejos de tierras soviéticas.
En 1974 a la edad de 26 años, Baryshnikov fue invitado a participar en una corta gira por Canadá con otros jóvenes promesas del ballet ruso; una vez en Toronto, Misha pidió ayuda a varios amigos norteamericanos quienes lo pusieron en contacto con un joven abogado canadiense, quien le explicó todas las opciones que tenía y lo que debía hacer para solicitar asilo político. Él sólo debía bailar sin levantar sospechas, terminar su espectáculo y tomar un carro hasta la autopista en donde lo estarían esperando para ayudarlo a escapar.
La única preocupación de Baryshnikov en ese momento no era, ni el carro esperándolo fuera del teatro, ni su desempeño en la escena; sino su padre y hermanos en Rusia, quienes luego de su deserción serían duramente escrutados e interrogados por la KGB. Sin contar la humillación por la que pasaría su padre como militar cuando se supiera que su hijo había huido siéndole infiel a la patria.
A pesar de eso, Misha siguió adelante y años más tarde pudo contactar a su padre y sus hermanos.
Una vez en Canadá, Mikhail Baryshnikov bailó un tiempo con el Ballet Nacional de Canadá, hasta que se trasladó a Nueva York donde comenzó su nueva vida bajo cielos de libertad.
BARYSHNIKOV Y BALANCHINE
Baryshnikov comenzó a bailar en el American Ballet Theatre (ABT) como bailarín principal. Allí participó en innumerables repertorios clásicos, tales como: Don Quijote, El Cascanueces, La Bella Durmiente, El lago de los Cisnes, etc. junto con Natalia Makarova su pareja artística preferida. Según ha declarado varias veces Mikhail, con Natalia había una química especial que hacía que los pas de deux reflejaran una intensidad y sorpresa increíbles.
En 1979, Misha se mudó del American Ballet Theare hacia el New York City Ballet para trabajar con el reconocido coreógrafo George Balanchine, con quien amplió sus horizontes en cuanto a técnica y estilos coreográficos. En el New York City Ballet, hizo pareja con la bailarina Gelsey Kirkland, con quien bailó casi todas las piezas existentes en el ballet clásico y en el repertorio de Balanchine.
En 1980, luego de la repentina muerte de Balachine, Baryshnikov regresa al American Ballet pero esta vez no sólo como Bailarín principal sino como Director Artístico de la compañía, puesto que ocupó hasta 1990.
Una vez fuera de las filas del ABT, Mikhail decidió darle un giro a su carrera, orientada hacia otros estilos de la danza. Desde ese momento, comenzó a crear coreografías más modernas que a su vez se adaptaban mejor a su madurez personal y experiencia artística. Con este proyecto, Misha ha fomentado nuevas formas de danza, promoviendo el entrenamiento de nuevos bailarines, coreógrafos y artistas en nuevas disciplinas experimentales o que están interrelacionadas con la danza como es el caso del teatro, la música y el cine.
EL OTRO LADO DE SU VIDA
Aunque muchos autores señalan que se ha casado tres veces, Mikhail Baryshnikov sigue siendo un hombre soltero, pero comprometido con su novia de hace más de 15 años, Lisa Rinehart con quien tiene tres hijos. Su hija mayor es fruto de su noviazgo con la actriz Jessica Lange con quien sigue mantieniendo una relación muy cercana.
Paradójicamente, ninguno de sus hijos heredó su pasión y talento por la danza; su hijo varón es jugador de jockey, sus dos hijas pequeñas son buenas gimnastas y la mayor está por entrar a la universidad.
A parte de su vida artística dedicada al mundo de la danza, Baryshnikov ha participado como actor en cuatro producciones cinematográficas, “Turning Point” (“Paso decisivo”) (1977), “White Nights” (traducido en su versión en español como “Sol de medianoche” o “Noches de Sol”) (1985), “The Cabinet of Dr. Ramirez” (1991) y “Company Business” (“Espías sin fronteras”) (1991). Por su participación en “Turning
Point” fue nominado al Oscar como mejor actor secundario.
También se hizo acreedor de un premio Tony por su participación en la obra teatral de Broadway “Metamorfosis” de Frank Kafka. Su última aparición como actor la hizo recientemente en la pantalla chica en la afamada serie “Sex and the City” en el personaje de Aleksandr Petrovsky, el último novio de Carrie Bradshaw (Sarah Jessica Parker).

sábado, 25 de junio de 2011

MISCELANEAS CULTURALES



Creo haberme referido ya en el blog, bien en algún “post” previo, bien en algún comentario de respuesta, a la excelsa política de ciclos dedicados a directores y actores por parte de TVE hace sus buenos “tropecientos” años en la centuria anterior. Entonces, no sólo había una programación generosa en títulos, sino que también se emitían muchos de ellos en impecables versiones originales subtituladas en castellano: ¡eran otros tiempos, ciertamente!.
Pues bien, uno de aquellos estupendos ciclos me permitió conocer y disfrutar de la filmografía (no demasiado extensa) del gran Preston Sturges, cineasta nacido en Chicago, en 1898, y fallecido en New York, en 1959, que desarrolló una amplia carrera de escritor (teatro, radio, prensa) y guionista en Hollywood que le permitió dar el gran salto a la dirección. Sería precisamente el gran éxito obtenido por el filme de Mitchell Leisen Recuerdo de una noche (1940), basado en uno de sus guiones más brillantes, el que le abriría las puertas de la Paramount para realizar su primera película: El gran McGinty (1940), convirtiéndose en auténtico pionero para otros rutilantes guionistas también pasados a la dirección como Billy Wilder, John Huston o Joseph L. Mankiewicz.
En el mentado ciclo televisivo se emitiría la citada ópera prima y también sus grandes películas de los primeros cuarenta: Los viajes de Sullivan (1941); Un marido rico (1942) y esta desopilante comedia, entre romántica y tontiloca que nos permite gozar de sendas excelsas interpretaciones tanto de una guapísima Barbara Stanwyck como de un sorprendentemente “cómico” Henry Fonda, mucho más cuando acababa de dar vida al rebelde Tom Joad de Las uvas de la ira (1940) o, un año antes, al joven Lincoln en el célebre biopic sobre el gran presidente norteamericano dirigido también por el genial John ford.

Esta deliciosa farsa de estafadores (soberbio Charles Coburn como redomado tahúr) redimidos por el amor se abre con unos títulos de crédito originales y simpáticos en los que una serpiente animada (es decir, dibujada), tocada con sombrero de copa, nos baila una marchosa rumba (al más puro estilo de Carmen Miranda, pero sin sombrero de frutas) mientras se acompaña de maraca con la cola y, sin perder la sonrisa, nos invita a caer en esta tentación arrebatadora del gran Sturges.
Como siempre en sus películas, las escenas cumplirán rendido tributo al goce, a la risa, al pasarlo bien. Tanto con su característica facundia enrevesada, que tanto posibilita el lucimiento de sus queridos actores de reparto de la “casa” (William Demarest, Eric Blore, Robert Greig, Jimmy Conlin, Al Bridge…), como con situaciones ridículas en donde las habituales y grotescas caídas (el sufrido Fonda bordará todas ellas con insospechada eficacia de payaso) nos provocarán la carcajada sin el menor esfuerzo. Sarcasmo, parodia, humor, sin ahorrar ironías asilvestradas ni moderar lo más mínimo un tronado histrionismo verdaderamente salvaje (estoy pensando en, para mí, su obra maestra: la citada Un marido rico). Y siempre con un ritmo enloquecido que no le impide caer, por momentos, en arritmias e irregularidades de realización y/o montaje (la última parte de la película sufre, lamentablemente, de alguna que otra atropellada secuencia o escena en exceso delirante).
Pero todo cumple con rigor y exactitud el logro de la máxima del cineasta: la pura diversión. Y si para ello unos timadores deben arrojar de sí las cartas marcadas o conformarse con el cobro de un cheque necesitado de plancha para su reintegro; un experto ofidiólogo tiene que abandonar el aburrido mundo del laboratorio por la cubierta de un barco a la luz de la luna (el auténtico despacho de una mujer para Sturges) o, en definitiva, una encantadora y taimada jugadora de naipes se reconvierta en aristócrata británica de deslumbrante verborrea y suntuosos trajes (diseñados por la maravillosa Edith Head) …Todo será como un homenaje, un himno al amor, aunque, eso sí, con ciertas disonancias caballunas procedentes del paródico “padrinazgo” de un entremetido equino. Una gozada la de esta septuagenaria Lady Eve, tan fresca y lozana como cuando se estrenó.
Por cierto que un anecdotario muy atractivo sobre las circunstancias de la realización del filme y sobre cómo Sturges escribió el guión pensando desde el principio en Stanwyck para el personaje principal, se puede leer en la recomendable biografía a ella dedicada de Axel Madsen (Laertes, 1996, original de 1994), un libro que no sólo agradecerán los fans de la gran actriz de Juan Nadie (1941), Bola de fuego (1941) o Perdición (1944), sino también los cinéfilos en general, a pesar del exceso de cotilleo “corazonesco”.
NB: la película está editada en dvd en España por la distribuidora Sherlock.

INSTANTANEAS MADRILEÑAS



viernes, 24 de junio de 2011

CITAS CITABLES

CONFUCIO

confucio
Confucio (Kong-fu-tse)-551 a 479 a. C. Fue un Gran filósofo chino. Su doctrina, cultiva el culto a lo tradicional, cuidando sus virtudes, sobre todo las que guardan a la familia.
Fue gobernador y ministro en el Estado de Lu.
Peregrinó durante 14 años, y sus obras recogen el código moral de su país.
Fue respetado durante su vida, y a su muerte se le veneró públicamente.
5 Citas de Confucio:
Algún dinero evita preocupaciones, mucho, las atrae.
No son las malas hierbas las que ahogan la buena semilla, sino la negligencia del campesino.
Lo que el sabio busca en si mismo; el hombre vulgar lo busca en los demás.
Cuando veas un hombre bueno, piensa en imitarlo; cuando veas uno malo, examina tu propio corazón.
El sabio está siempre sentado en la orilla. El necio está siempre debatiéndose entre las olas.

SITIOS LINDOS PARA CONOCER

El primer receso del año se acerca y con el llegan las ganas de liberarse del estrés y dejar por un momento la ajetreada vida de la ciudad, lo único que se necesita y desea es descansar y pasarla bien en algún lugar lejano y para esto el clima de primavera hace de las playas el destino perfecto.

Si aun no sabes donde vacacionar 2011 aquí te presentamos 10 lugares ideales para pasarla de maravilla.

10. Long Beach Island. En semana santa 2011 no hay nada mejor que visitar  Nueva Jersey, y con ella su famosas playas con su fina y blanca arena, Long Beach Island es una de las mejores de todo el atlántico. Aquí se podrá comer muy bien ya que está rodeada por buenos restaurantes.


9. Hanauma Bay. La mejor playa de  Estados Unidos, Hanauma Bay en Hawai tiene comou vegetación, peces multicolores, aguas color esmeralda, también cuenta con los mejores balnearios marinos de Estados Unidos. Aprovecha esta semana santa 2011 y visita este paraíso.
8. Puerto escondido.  Se encuentra en la costa del estado de Oaxaca y tiene playas realmente bellas.  Ideal para practicar actividades acuáticas y pasar unas excelentes vacaciones de semana santa 2011.
7. Playa del Carmen. Ubicada en la Península de Yucatán,  posee grandes extensiones de playas de arenas blancas y aguas de color azul turquesa del mar Caribe. Pueden practicarse todos los deportes acuáticos para aquellos que gustan de las actividades extremas Playa del Carmen es el destino ideal para esta semana santa 2011.
6. Manzanillo. En el estado de Colima se encuentra Manzanillo, una bahía muy visitada por e turismo internacional. Tiene una gran variedad de restaurantes,  y podrás practicar  deportes terrestres en sus excelentes campos de golf y canchas de tenis.
5. Fort De Soto Park: Al sur de Florida, podrás disfrutar de una playa ideal para acampar, pescar además de las hermosas puestas de sol que no te puedes perder, y podrás nadar ya que sus olas son de moderadas a tranquilas,
4. Cozumel. En semana santa 2011 disfruta del agradable clima de Cozumel, entre sus atractivos se encuentra el arrecife Palancar que forma parte del gran Arrecife Maya, además del buceo y sus diversos torneos internacionales de pesca.
3. Los Cabos. En semana santa 2011 no dudes en visitar Los Cabos,  tiene un clima cálido durante todo el año, resaltando su característico aspecto desértico. Está ubicado donde se unen el Mar de Cortés y el Océano Pacífico, un destino ideal para los amantes del buceo.
2. Acapulco. La belleza de su bahía la hace una de las más bonitas del mundo, además de su belleza ofrece las mejores comodidades gracias a su infraestructura hotelera y su variedad entre actividades para el placer y el descanso. Un destino turístico para visitar esta semana santa 2011.
1. Cancún. Esta isla tiene clima cálido todo el año, ofrece  playas de arena blanca frente al mar Caribe.  Es uno de los lugares de México con mejor infraestructura hotelera, un lugar donde podrás descansar esta semana santa 2011.

jueves, 23 de junio de 2011

UN PERSONAJE INOLVIDABLE

América Latina: mi personaje inolvidable
Por muchos años las páginas del libro escrito por nuestros pueblos se han ido llenando con hechos reales y relatos sorprendentes sobre personajes que vivieron y en un momento u otro recorrieron nuestras tierras. En esos pedazos de nuestra historia nacional se mezclan parte de sus singulares vidas con las leyendas que fueron pasando de boca en boca y de generación en generación.
De esas vidas y hechos, así como de lo que se convirtió en leyenda, se trata este corto recorrido que relata el paso por nuestras tierras de América de la casi santa “Madre María” en Argentina; la historia de Alberto “Flor de Azahar” Sánchez, Diana Molina y “La Garita del Diablo” en Puerto Rico, donde sus personajes vivieron y se amaron y el nebuloso recuerdo de una gran tragedia personal en México que convirtiera a María Some en “La Llorona”.

Argentina: “la Madre María”...
María Salomé Loredo nació en España, pero desde su infancia fue llevada a la capital de Argentina, Buenos Aires. Al casarse a los 23 años, joven y muy bella, en poco tiempo quedó viuda. Con los años y al contraer matrimonio por segunda vez, al poco tiempo de nuevo enviudó; ambos matrimonios convirtieron a María en dueña de una inmensa fortuna.
Mujer muy religiosa, su fama se extendió rápidamente por toda Argentina, donde el pueblo comenzó de pronto a ver con asombro sus milagrosos poderes de curación y beneficencia, que ella invariablemente entregaba como hechos ordenados por Dios y Cristo y encomendados a ella en su misión en la Tierra, que cumplía con alegría, fidelidad y respeto a la fe, según decía.
En ocasiones le acusaron y hasta estuvo en prisión cuando se le señalara como alumna del ocultismo, a lo que ella respondía: “La fe es la que cura, es la fe la que ayuda”.
Sus métodos curativos eran muy sencillos: el agua fría e imposición de manos en nombre de Cristo junto a oraciones y plegarías a la Virgen María.
Amiga de varios presidentes argentinos a los que aconsejaba, fue su muerte a los 74 años una verdadera tragedia pública que sacudió a la Argentina de entonces, y que todavía hoy se convierte en un continuo peregrinar hasta donde descansan los restos de la que el pueblo llamó “la Madre María”...

México: “la Llorona”...
Aunque la historia de México relata ya desde la Colonia videncias de un personaje vestido de blanco que en las noches invariablemente recorría barrios de la capital mexicana deteniéndose en la Plaza Mayor, la versión más cercana a la vida real y a su acompañante de leyenda es la de María Some, una humilde rancherita de un pequeño pueblo cerca de Ciudad de México. La joven María era de tan extraordinaria belleza que llena de orgullo miraba con desdén a todos los jóvenes de su pueblo, quienes la colmaban de atenciones por su frescura y lozanía, atenciones que siempre ella despreciaba. Tanto fue el orgullo propio de su belleza que su frase preferida era: “Me casaré con el hombre más guapo del mundo”. Con el tiempo apareció por los alrededores del pueblo el hijo de uno de los rancheros más poderoso y rico de la zona, Carlos Torres, joven guapo, tocador de guitarra y diestro domador de caballos que manejaba como un verdadero comanche. En sus breves visitas al pueblo Carlos quedó prendado de la belleza de la joven María, que con un calculado plan lo desdeñó en un principio para empecinarlo más en alcanzar su amor.
A los pocos meses ambos se casaron y tuvieron dos hijos. Todo parecía bien en los primeros años hasta que Carlos fue alejándose poco a poco hacia su hacienda paternal, dejando de ver a María por meses.
Una tarde, cuando paseaba María con sus hijos cerca del viejo puente junto al río, llegó Carlos en un carruaje, sentada junto a él una bella joven de su mismo estrato social. Ni siquiera miró a María, habló con los niños y se retiró del lugar.
Fue tal la humillación que sintió en esos momentos María, en un arranque de locura, rabia y celos, que lo tomó contra sus propios hijos, a los que tiró al río. Ya desaparecían los niños arrastrados por la fuerte corriente cuando María despertó a la realidad de lo que había hecho y trató de salvarlos... pero ya era demasiado tarde.
A la mañana siguiente un viajero llevó la noticia al pueblo, el haber encontrado a una bella joven muerta junto al banco arenoso del río, donde se le había dado sepultura.
Desde esa misma noche, dicen los moradores de la región que escuchan los gritos desconsolados de una mujer, “La Llorona”, que vestida con una bata blanca, la misma que había servido como mortaja a la bella joven, vaga clamando por sus hijos...

Puerto Rico: “Flor de Azahar”, Diana y la Garita del Diablo...
Alberto Sánchez, un soldado español natural de Andalucía, era miembro del Regimiento de Caballería destacado en el Fuerte San Cristóbal de Puerto Rico. Usualmente el soldado era situado como guardia en una de las garitas del fuerte que cuidaba a la población de ladrones y asaltantes por el lugar. Joven muy guapo, era su piel tan blanca que atrajo el sobrenombre de “Flor de Azahar”.
Cuentan que en una de esas noches de guardia en el fuerte, cuando los soldados de guardia revisaban las postas, encontraron inexplicablemente en la garita de Alberto su fusil, la cartuchera y su uniforme. El joven soldado había desaparecido sin dejar huellas.
Desde entonces, el pueblo supersticioso y los mismos soldados comenzaron a rodar la historia de que a Sánchez “Flor de Azahar”, se lo había llevado el demonio, y se comenzó a llamar a la garita, de donde el joven había desaparecido, “La Garita del Diablo”.
Pero la verdadera historia es como sigue:
El soldado Sánchez desde hacía ya muchos meses se había enamorado locamente de una bella joven mestiza de la localidad, Diana Molina, quien correspondía a su amor con la misma vehemencia. Desde un principio se oponían a las relaciones de los jóvenes tanto la madrastra de Diana como el comandante del regimiento de Alberto, a quien no le gustaba la mestiza Diana. Ellos se contentaban con mirarse de lejos o por los mensajes que Alberto con su guitarra le comunicaba en sus quitas de amor a las que Diana desde lejos correspondía.
Esa noche era de postas en el Fuerte San Cristóbal, por la mañana Alberto le había comunicado en un mensaje a su amada: “Mañana, cuando anochezca, vete a buscar a tu amor, porque lejos de tus brazos se le muere el corazón”.
Al siguiente día, Diana, que había llevado escondida ropa de civil para Alberto, se fundió en besos y palabras de amor con su enamorado y ambos decidieron huir juntos hacia la sierra y bosques de Luquillo, donde desde entonces vivieron y criaron a sus hijos.
Nunca más se les volvió a ver.
Han pasado muchos años y aún hoy, en cada una de nuestras capitales y lejanas tierras, en Buenos Aires las multitudes siguen llegando al Cementerio de La Chacarita, donde está enterrada María Salomé Loredo; ante la puerta de su bóveda todos los visitantes pueden observar los desgastes del pulido metal del bronce de la entrada de la tumba, donde cientos de personas anualmente acarician la puerta para pedir a “La Madre María” un milagro y su beneficencia; en la Plaza Mayor de México donde por las noches todavía muchas personas juran seguir escuchando los desgarradores gritos de una mujer vestida con una blanca y harapienta túnica blanca llamando: “¿Dónde están mis hijos?”, y en Puerto Rico donde el español Alberto Sánchez “Flor de Azahar” y su bella Diana, hace mucho tiempo ya dejaron de escuchar en vida, entre burlas y carcajadas, lo que ambos disfrutaban: la historia supersticiosa de aquellos que inventaron la leyenda de “La Garita del Diablo”.
Ricas historias y leyendas de nuestros pueblos que merecen conocerse mejor, porque son nuestras raíces.

AGATHA CRISTIE

Agatha
Dama del Imperio Británico y Reina del Crimen
El 15 de septiembre de 1890 nació en Torquay, condado de Devon, Inglaterra, una niña que recibiría el nombre de Agatha Mary Clarissa Miller. Su nacimiento fue recibido con gran alegría por sus padres, el norteamericano Frederick Alvah Miller y la inglesa Clarissa Margaret Boehmer, quienes ya eran padres de una niña de once años, Madge, y un niño de diez, Monty. La pequeña Agatha vivió una infancia feliz en el seno de una familia de clase media acomodada, en un ambiente idílico de la campiña inglesa.
Éste es el inicio de una historia que bien podría ser la de muchas niñas de la época en condiciones similares, pero que en este caso significó el nacimiento de una de las escritoras más leídas de todos los tiempos: Agatha Christie. Honrada con diferentes premios, doctorados, e incluso con el muy codiciado título de Dama del Imperio Británico, Agatha Christie es más conocida actualmente con el apelativo de “Reina del Crimen”, que con fervorosa admiración le otorgaran los millones de lectores que hasta hoy siguen disfrutando de sus inconfundibles novelas y misterios.
Igualmente fascinante es, sin duda, la historia de su vida. A pesar de haber sido educada por su madre, en forma privada, en el ambiente victoriano de la época, Agatha Christie transgredió, con increíble naturalidad, los parámetros que su educación y su época quisieron imponerle. La escritura y los viajes fueron su pasión, y el reconocimiento que alcanzó, inclusive durante su vida, fue inigualable. Christie escribió, en aproximadamente 50 años de producción, 80 novelas e historias breves, una docena de obras de teatro, seis novelas románticas (con el seudónimo de Mary Westmacott), tres libros misceláneos y una autobiografía. Se estima que ha vendido alrededor de dos billones de libros en todo el mundo, y ha sido traducida a una gran cantidad de idiomas (que varía, de acuerdo a las fuentes que se consulten, entre los 45 y los 103 idiomas). Agatha Christie es, según el Guinness Record Book, el escritor que más libros ha vendido en el mundo (“best-selling fiction author of all time”).

Agatha ChristiePrimeros años: infancia y juventud
La pequeña Agatha vivió los primeros once años de su vida en un ambiente familiar armonioso, rodeada del cariño de sus padres y hermanos. La madre decidió que su hija más pequeña realizara sus estudios en el hogar, dado que la niña, ya a los cinco años, había aprendido a leer sola. Bajo su supervisión y la de algunos profesores privados, Agatha recibió los conocimientos básicos de la enseñanza elemental. La niña gustaba representar obras de teatro y se cuenta que fue su hermana Magde quien la incitó a escribir. Paralelamente a sus estudios, Agatha aprendió a tocar el piano y a cantar. Esta vida idílica se interrumpe en forma dramática para la niña cuando el padre muere repentinamente. La situación familiar obviamente se modifica y la relación ya estrecha entre la niña y su madre se intensifica. Para poder sostenerse económicamente, Clarissa Miller decide alquilar la casa familiar durante los inviernos, mientras la familia se traslada temporalmente a Egipto, lo cual contribuyó a que Agatha se acostumbrara tempranamente a los viajes. Esto se repetiría todos los inviernos, hasta que, a los 16 años, la joven Agatha es enviada a París para realizar estudios de canto y piano. Pero la carrera de cantante de ópera que su madre había planeado no llega nunca a concretarse, en parte por recursos vocálicos insuficientes, pero también a causa de su timidez. De regreso de París, viaja junto a su madre a El Cairo, donde pasan el invierno, como en los viejos tiempos, y donde la joven escribe su primera novela (que nunca se publicará).
A los 22 años (1912), Agatha se compromete con Archibald Christie, piloto de la Fuerza Aérea del Reino (Royal Flying Corps), con quien contraerá matrimonio dos años después, poco después de la declaración de la Primera Guerra Mundial. Durante los años de guerra, mientras su esposo combatía en Francia, Agatha se enrola como enfermera voluntaria en el Hospital de la Cruz Roja de su ciudad natal, Torquay. Allí adquiere los conocimientos sobre medicinas y sustancias tóxicas (completó un examen de farmacéutica) que tanto le servirían en la redacción de sus novelas. Este ambiente le inspirará la trama de lo que será su primera novela: El misterioso caso de Styles, escrito durante dos semanas de vacaciones. El manuscrito fue rechazado por varias editoriales, hasta que finalmente se publicó en 1920, con mediano éxito. Este fue el punto de partida de la carrera de quien en adelante se conocería como Agatha Christie (aun luego de su divorcio) y que a partir de aquí comenzaría a producir con extrema facilidad un gran número de novelas, pero también un volumen de poesía, llamado The Road of Dreams (1925). En 1919 nace su hija Rosalind.
Los años posteriores —si bien continuó con la publicación de sus novelas, que eran cada vez más exitosas—, fueron extremadamente duros para la escritora. Dos hechos desequilibraron su vida: primero la muerte de su madre, a quien se sentía profundamente unida, y luego la crisis de su matrimonio. Su esposo la abandona por otra mujer, y la pareja obtiene el divorcio en 1928. Durante el proceso de separación, Agatha Christie sufre una crisis emocional, con ataques de amnesia, durante uno de los cuales desaparecería durante once días sin dar señales de vida. Reaparece luego en un hotel sin poder dar explicaciones de su conducta, suceso que ha dado lugar a diversas especulaciones, y que se recrearía en la película Agatha de 1979, con Vanessa Redgrave en el rol principal.

Agatha ChristieAmor en Mesopotamia
Luego de su divorcio y del escándalo que ocasionó su desaparición, Agatha Christie siente la necesidad de recluirse y encontrar la tranquilidad necesaria para poder seguir escribiendo. Finalmente, decide instalarse en las Islas Canarias, donde residió durante dos años. Allí escribió muchas de sus más conocidas obras, como El enigmático Mr. Quinn y El misterio del tren azul. Ya en esta época se establece internacionalmente como una de las más prolíficas y exitosas escritoras de novelas policiales. Unos años después, y ya recuperada de su dramática separación, Agatha Christie retoma lo que, junto con la escritura, sería su pasión: los viajes. En uno de ellos, en la ciudad de Ur en Irak, conoce al joven arqueólogo Max Mallowan, catorce años menor que ella. La atracción es mutua y, en 1930, la pareja contrae matrimonio (el cual duraría 46 años, hasta el fallecimiento de la escritora a los 85 años). Los flamantes esposos Mallowan (aunque Agatha conservaría siempre el apellido de su primer marido para la escritura) deciden realizar juntos los viajes de carácter arqueológico que la profesión de Mallowan exigía. Agatha participó activamente de las expediciones y llegó a poseer conocimientos profundos en la materia, a la vez que muchos de los ambientes exóticos que visitaba la inspiraron en la escritura de varias de sus más conocidas obras, como Asesinato en Mesopotamia, Muerte en el Nilo o La venganza de Nofret.
Durante la Segunda Guerra Mundial vuelve a colaborar como voluntaria en una farmacia militar, donde actualizó sus antiguos conocimientos en toxicología, además de seguir escribiendo sin cesar. Como muchos de sus contemporáneos, Agatha Christie condenó la guerra (donde perdió a su yerno, el marido de su hija Rosalind) entendiendo que en una guerra sólo quedaban perdedores.
Agatha ChristieEn 1960, a los 70 años, la Unesco la declaró oficialmente como el autor más vendido del mundo. Para entonces, Max Mallowan, su marido, ya se había convertido en un eminente arqueólogo y sería ennoblecido por la reina. Agatha Christie pasó entonces a titularse Lady Mallowan. En 1961 fue designada miembro de la Real Sociedad de Literatura y Doctora Honoris Causa en Letras por la Universidad de Exeter. En 1970, celebró sus 80 años con una fiesta magnífica, fue retratada por el célebre pintor Oscar Kokoschka y posó para el Museo de Cera de Madame Tussaud. En 1971 se le concedió el entonces muy poco frecuente título de Dama del Imperio Británico, en reconocimiento a su obra literaria. A partir de aquí su salud se debilita y Agatha Christie se retira de la vida pública, dedicándose exclusivamente a la compañía de su esposo y de su adorado nieto Matthew, hijo único de Rosalind. Matthew Prichard es, actualmente, el heredero universal de Agatha Christie, a quien la escritora ya en vida cediera los derechos de autor de su vasta obra.
Agatha Christie falleció, luego de un corto período de enfermedad, el 12 de enero de 1976, a los 85 años de edad, en Winterbrook House, Cholsey, Oxfordshire, y sus restos descansan en el cementerio de la iglesia de St. Mary en Cholsey.

Festival de Agatha Christie en las Islas CanariasReina del Crimen
A pesar de su fallecimiento hace ya 35 años, la popularidad de Agatha Christie sigue intacta. Sus libros siguen siendo leídos en todo el mundo y aún siguen organizándose festivales sobre su obra y otorgándose premios con su nombre. A su fama ha contribuido también, además de su obra, una larga serie de rodajes de las novelas tanto para el cine como para la televisión. El fuerte de Agatha Christie fue la novela detectivesca o de suspenso, en ciertos casos llamada “misterios”, en donde se le presenta al lector un misterio (frecuentemente un asesinato), el cual se resuelve gracias al ingenio de un policía, un detective o simplemente un personaje más del relato, quien astutamente y gracias a su poder de deducción (y su conocimiento de los mecanismos de la conducta humana) logra resolver el caso. En las novelas de Christie, los misterios son resueltos más por inteligencia e intuición que por minucioso trabajo detectivesco. Los escenarios de sus novelas son espacios cerrados, generalmente pequeños poblados ingleses o haciendas en el campo, habitados por personajes de clase media acomodada, lo que limita la cantidad de sospechosos. La idea es permitir al lector ensayar hipótesis e intentar adivinar la identidad del culpable antes de acabar la lectura del relato.

Los textos más populares de Christie fueron, y son todavía, los protagonizados por dos figuras ya legendarias, con las cuales la escritora trabajaba en dos series paralelas. Una es la de Hércules Poirot, excéntrico detective belga residente en Gran Bretaña; y la otra es la inconfundible Srta. Marple, una vivaz sexagenaria con un agudo poder de observación. Mientras que Poirot concentra su trabajo en los ambientes urbanos, la Srta. Marple es la típica solterona de provincias, cuyo máximo entretenimiento es observar la vida de sus vecinos. Y aunque suene como una descripción antipática, lo cierto es que la Srta. Marple se nos presenta como una dama sabia y agradable, profundamente conocedora de la psiquis humana. Hércules Poirot es introducido a los lectores en uno de los primeros libros de Agatha Christie, el mencionado El misterioso caso de Styles (1920), mientras que la figura de la popular Srta. Marple aparece recién diez años después en El asesinato en la vicaría (1930). Agatha Christie continúa escribiendo estas dos series en forma paralela, pero ya en los años 40 había escrito las dos novelas que cerrarían ambos ciclos: Telón: último caso de Poirot (publicado en 1975) y Un crimen dormido (publicado en 1976), cuyos manuscritos fueron encerrados en una caja de seguridad en un banco de Londres por la misma autora, para publicar después de su muerte y de esa manera asegurarse que nadie más seguiría utilizando estas figuras tan queridas para su creadora. En 1977 se publica, también póstumamente, Una autobiografía, que Agatha Christie redactara unos diez años atrás. Es un grueso volumen de recuerdos, escritos con la misma soltura y agilidad que caracteriza el estilo de la autora, aunque no cubre todos los episodios de su vida ni sigue un riguroso orden cronológico.
Miss MarpleLo interesante de los misterios de Agatha Christie es esa capacidad única de la escritora inglesa para mantener el suspenso hasta el último minuto, tejiendo y destejiendo tramas y posibles soluciones, y cuya resolución no se develará hasta último minuto. Muchas veces ha sido criticada por salirse de las reglas del género y echar mano a recursos inusuales (como en El asesinato de Roger Acroyd o en Diez negritos), pero probablemente sea ésa otra de sus virtudes de narradora, y las novelas mencionadas siguen siendo consideradas como clásicas en su género. Los textos de Agatha Christie exhiben además una fina ironía y un delicado sentido del humor, con frecuencia expresado por personajes que tienen la madurez suficiente para ironizar sobre sí mismos. Su construcción del diálogo es ágil y segura; no le preocupan, sin embargo, los aspectos sociales o morales de la intriga y lo cierto es que Agatha Christie nunca tuvo como objetivo realizar una crítica social o mostrar las deficiencias de su sociedad, como muchos actuales escritores policiales aspiran en la actualidad. Agatha Christie deseó entretener a sus lectores con misterios inteligentemente construidos, y lo hizo magistralmente. Sus lectores se lo agradecen y siguen admirándola incondicionalmente como la indiscutida “Reina del Crimen”.



miércoles, 22 de junio de 2011

SI YO FUESE

Si yo fuese constructor,
crearía un ramo de flores hecho con las miradas,
un cielo lleno de estrellas pintado con la ilusión,
en mar claro y limpio, azul y recatado,
si yo fuese soñador.


Si yo fuese conductor,
de poemas, de sonrisas, de verdades,
de regalos que no se pueden abrir,
de amores que no se pueden terminar,
si yo fuese un sencillo soñador.


Si yo fuese cazador,
de suspiros, de alegrías, de temores superados,
de nostalgias que no me llevan a nada,
de miedos que solo me impiden crecer,
de lagrimas que solo irritan mi dolor,
que solo aumentan mi desgracia,
si yo fuese un gran soñador.


Si yo fuese sacerdote,
que combatiera el mal con mi cariño,
que combatiera la oscuridad con tu luz,
que combatiera la desgracias con rezos,
que combatiera el dolo que sonrisas,
si yo fuese un diminuto soñador.


Si yo fuese pescador,
pescaria suspiros,
pescaria susurros,
pescaria te quieros,
pescaria besos dados con cariño,
pescaria caricias entregadas con amor,
si yo fuese un gigantesco soñador.

Soñaria en silencio,
viviria soñando,
soñaria contigo,
viviria amando.


Autor: Fco. Peiró

MISCELANEAS



Olvida Facebook: tu cerebro no puede manejar más de 150 amigos

Malas noticias para el ego que depositas en tu popularidad de Facebook. Profesor de antropología evolutiva afirma que tu cerebro no puede manejar más de 150 amigos.

Sí, sabemos que tus 1,500 amigos en Facebook te pueden dar un cierto regocijo psicosocial, que tan inalcanzable cifra refuerza tu autoestima y tu sentimiento de popularidad. Sin embargo, un gran porcentaje de ellos son irreales, tanto que tu cerebro ni siquiera es capaz de concebirlos simultáneamente, solo representan una ego estadística digital —y lo más probable es que lo mismo les suceda a ellos frente a ti. Robin Dunbar, profesor de antropología evolutiva en la Universidad de Oxford, afirma que el cerebro humano es incapaz de construir lazos emocionales sólidos con más de 150 personas. Este número específico al que Dunbar llegó se ha vuelto ya relativamente famoso, pues difícilmente se consiguen estadísticas puntuales en las ciencias sociales y se le ha llamado el “número Dunbar”.

“Hay una discusión con gente afirmando ‘tengo demasiados amigos, no sé ni siquiera quiénes son la mitad de ellos’, dijo alguien, mientras que su interlocutor contestó: ‘Mira, hay un tipo en Inglaterra que afirma que no puedes tener más de 150 amigos’”, declaró Dunbar a NPR. Tras estudiar diversos modelos sociales y de negocios, incluyendo el ejército, el profesor confirmó que 150 es el número ideal para garantizar una cohesión social y una interacción sólida y funcional. Desde tribus africanas hasta exitosas compañías, una comunidad típica es conformada por 150 personas.

Pero al parecer este número “mágico” tiene antecedentes ancestrales. Al mantenerse en grupos relativamente pequeños, los primates podían resolver los problemas que debían enfrentar con mayor efectividad, por estar mejor organizados, e incluso evadían los peligros de potenciales depredadores. Y en la actualidad, tal vez como legado de esta práctica primitiva, nuestro cerebro tiene al 150 como un límite de memoria en cuanto a relaciones sociales se refiere. Sin embargo, esta limitación enfrenta una cierta falta de sintonía con las prácticas contemporáneas, ya que algunos factores, como la movilidad geográfica, provocan que eventualmente tengamos más relaciones que las que podemos manejar. “Creces en algún lugar, vas a la escuela al otro lado de tu país, consigues un trabajo, te mueves a Europa por algún tiempo; es mucho más difícil para nosotros mantener esas relaciones bien cuando están tan distribuidas”, acota Dunbar.

Un ejercicio interesante sería el de tratar de recordar a 150 de los amigos que tengas en Facebook, tarea que nos podría indicar si al menos somos capaces de concebirlos. Aunque en caso de que lo lograras, tampoco eliminaría la posibilidad de que el “número Dunbar” fuese correcto, pero por lo menos sería un primer acercamiento a probar su veracidad o falsedad y, en cualquier caso, podría ser un experimento que seguramente te pondrá a reflexionar un poco sobre tu status social en las estepas digitales.

martes, 21 de junio de 2011

LAS SOMATIZACIONES O ENFERMEDADES PSICOLOGICAS



Se entienden las somatizaciones coom una forma de expresar malestar piscológico, ejemplo la rabia, los celos, etc. a través del cuerpo o sea a través de síntomas físicos.
Es muy común escuchar exclamaciones como éstas: «coincidiendo con serios problemas del trabajo he empezado a sentir dolor de cabeza, ¿estaré somatizando? Con frecuencia existe una relación temporal entre la presencia de uno o varios factores de estrés, como pueden ser el aumento de responsabilidad laboral, una separación, la muerte de un ser querido, y el inicio o intensificación de los síntomas.

Entre un 70 y 80 por ciento de los pacientes somatizadores presentan un trastorno físico demostrable, pero éste no explica los síntomas por los que el paciente efectúa la consulta, es decir, son somatizaciones, todo ello prueba que el trastorno de somatización no sólo es uno de los problemas psicológicos más frecuentes en las consultas de medicina general, sino que acarrera graves complicaciones y riesgos a quien lo padece.

En el ámbito global las somatizaciones son causa de importantes problemas de orden social y económicos. Casi todos percibimos síntomas somáticos leves y transitorios, pero no por ello consultamos al médico. Sin embargo algunas personas experimentan un profundo malestar o se sienten incapacitados hasta tal punto que creen estar enfermos.

Estos los lleva a consultar a su médico, el cual después de la entrevista y de las exploraciones necesarias, puede que no encuentre ninguna alteración que justifique su malestar. A pesar de ello, algunos pacientes continúan preocupados y con malestares, es entonces cuando pueden ser remitidos al especialista correspondiente, lo cual implica someterse a nuevas exploraciones, tratamientos, consultas, sin que encuentre una causa orgánica a su sufrimiento. Después de la visita al especialista, muchos se tranquilizan y dejan de preocuparse, pero otros continúan con molestias y siguen intranquilos por ellas, y así realizan nuevas exploraciones, nuevos tratamientos durante años, y sin éxito.

Estos enfermos imaginarios, suelen ser diagnosticados y tratados por trastornos vagos y difusos, en vez de recibir el tratamiento para su verdadero problema, que es el trastorno por somatización.

Esto quiere decir que la persona es sometida a un «sobre-tratamietno» somático, con los consiguientes riesgos y se aplaza la evaluación y el tratamiento psicológico. Por todo ello, las somatizaciones tienden a hacerse crónicas, lo que a menudo, genera un abuso o dependencia de determinados fármacos, como sedantes, analgésicos etc.

Una complicación que frecuentemente se presenta asociada es la depresión y la ansiedad.

En ocasiones las somatizaciones no son más que síntomas fisiológicos, como los dolores musculares, trastornos del sueño, taquicardias correspondientes a un estado depresivo, o ansioso, pero que son identificados por la persona que sufre no como un problema psicológico, sino como una señal de enfermedad.

Por otro lado, es fácil imaginar que la cronoficación por tanto, el sufrimiento de las somatizaciones acaba provocando una alteración del estado de ánimo, es decir, una depresión o un estado ansioso.

Este estado afectivo comporta la presencia de síntomas psicológicos y son percibidos como enfermedades y esto a su vez genera más ansiedad y depresión y así sucesivamente.

En la ansiedad son características los síntomas neurovegetativos: la taquicardia, palpitaciones, hiperventilación y consecuentemente el mareo, los calambres, la tensión muscular, y la tendencia a la diarrea.

En cambio son más características de la depresión; la astenia, la anorexia, la pérdida de peso, y la disminución del deseo sexual también el estreñimiento, dolores de cabeza, vértigos, migrañas, etc.

Cuando hablamos de la etiología de las somatizaciones, debemos pensar en aquellos factores que pueden predisponer a la persona a expresar sus dificultades psicosociales a través de síntomas somáticos, como también en aquellos que la precipitan y las mantienen.

A nivel psicológico se sabe que los y las somatizadores son personas, en las que se percibe una excesiva aprensión y una gran sensibilidad para detectar en su organismo anomalías sin significación clínica, las que convierten en el centro de su atención al interpretarlas de forma amenazante.

Los somatizadores presentan en grado elevado el rasgo de personalidad denominado afectividad negativa, que se caracteriza por la propensión e insatisfacción personal, por la tendencia a la introversión y la auto-observación, y también a las catástrofes o negativismos.

Con toda probabilidad, se trata de personas especialmente vulnerables a situaciones de estrés.

Existe gran tendencia a somatizar aquellas personas que tienen dificultad para manifestar sus emociones y sentimientos, niños, adultos, ancianos, de todas las edades y sexos; no hay excepciones.

El tratamiento exige una serie de cambios en el comportamiento del paciente. Si se le ayuda a cambiar su conducta ante los síntomas, puede ocurirr que éstos tengan una menor intensidad, así como un cambio en la forma de interpretarlos: el paciente debe experimentar por sí mismo de qué manera la distracción disminuye los síntomas y el aburrimiento los aumenta.

El objetivo principal del tratamiento es ayudar al paciente a cambiar la percepción que tiene de sus síntomas, esto quiere decir aprender a interpretarlos desde una perspectiva psicológica más que organiza.